Vídeo, música.

Então, nossa classe estava procurando alguns videos sobre a Semana da Arte Moderna, de 1922. Acabamos achando alguns videos sobre a semana. :) Eles estão logo abaixo:

Vídeo Villa de -Lobos -Bachianas Brasileiras 4. Piano. 

SEMANA DA ARTE MODERNA, EXPLICAÇÃO EM SLIDES.

O Vídeo abaixo, mostra mais ou menos como eram as artes plásticas na semana, é bem simples. O artista, é chamado Rubens Tiano, e o vídeo tem muitas visualizações. Quem tiver conta no youtube, por favor.. comenta. Ficou bem legal mesmo!  Pelo o que deu para perceber, os modernistas abusavam da luz, contraste e criatividade.. o essencial pra um grande trabalho!

Fotografia e intervenções/ Rubens Tiano 

Todos os alunos foram responsáveis pela criação desse post, desde a procura dos vídeos a postagem...

Artes Visuais 1922

Arte Moderna : modernismo na 1ª metade do século XX
O marco desta época foi a Semana de Arte Moderna realizada em São Paulo, em fevereiro de 1922. Nesta semana, vários artistas comprometidos em mudar a cara da arte nacional se apresentaram e chocaram a sociedade. Quebraram com os padrões europeus e buscaram valorizar a identidade nacional e uma arte, cujo cenário de fundo, eram as paisagens brasileiras e o povo brasileiro. Inovaram e romperam com o tradicional. O modernismo preocupou-se muito a parte social do Brasil.
Destacam-se como artistas modernistas: Di Cavalcanti, Vicente do Rêgo, Anita Malfatti, Lasar Segall, Tarsilla do Amaral e Ismael Nery.
Para valorizar a arte modernista, embora reúnam obras de vários períodos, dois museus são criados nesta época: o MASP ( Museu de Arte Moderna de São Paulo), criado pelo empresário Assis Chateaubriand e o MAM-RJ ( Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro).

A exposição Torres García – Traços de Nova York, já pode ser vista na Caixa Cultural do Rio de Janeiro até o dia 13 de Junho. A mostra traz 150 obras, oferecidas pelo Museu Torrres García. A produção é de 1920 à 1922, época em que o artista residiu em Nova York. Alí, não descansou o olhar, registrando e reinventando para si o dinamismo da grande cidade, cada novo aspecto da paisagem urbana e da vida cotidiana: as ruas e seus personagens, o comércio, o porto, o transporte, os objetos, tudo registrado e recriado nas obras de papel num ritmo livre e vibrante que capta o espírito e o movimento da cidade.

Alunos responsáveis pela postagem: Jôsilaine Pereira, Laianne Jéssica, Tiago da Silva, Josiane Araujo, Fernanda F , Rafael Rodriguês, Jaqueline Cardoso, Tais Oliveira.

Artista semana da arte moderna

► Semana da Arte Moderna 1922

A Semana de Arte  Moderna de 22, realizada entre 11 e 18 de fevereiro de 1922 no Teatro Municipal de São Paulo, contou com a participação de escritores, artistas plásticos, arquitetos e músicos, visava renovar o ambiente artístico e cultural da cidade via “a perfeita demonstração do que há em nosso meio em escultura, arquitetura, música e literatura sob o ponto de vista rigorosamente atual“, como informava o Correio Paulistano a 29 de janeiro de 1922. A produção de uma arte  brasileira, afinada com as tendências vanguardistas da Europa, sem contudo perder o caráter nacional, era uma das grandes aspirações que a Semana tinha em divulgar.

em 1917, recém chegada dos Estados Unidos e da Europa, foram um marco para o Modernismo Brasileiro. As obras da pintora então afinadas com as tendências vanguardistas absorvidas nesses dois locais chocou grande parte do público e causou violentas reações da crítica conservadora. Ao redor dela reuniram-se jovens despertos para uma necessidade de renovação da arte brasileira. Além disso, traços dos ideais que a Semana propunha já podiam ser notados em trabalhos de artistas isoladamente que dela participaram (além de outros que foram excluídos do evento). Desde a exposição de Malfatti, havia dado tempo para que os artistas de pensamentos semelhantes se agrupassem. Em 1920, por exemplo, Oswald de Andrade já falava de amplas manifestações de ruptura, com debates abertos. 

                                 Vik Muniz artista plástico

      
                   
       
                  

              

Mário de Andrade, com suas conferências, leituras de poemas e publicações em jornais foi uma das personalidades mais ativas da Semana. Oswald de Andrade talvez fosse um dos artistas que melhor representavam o clima de ruptura que o evento procurava criar. Manuel Bandeira, mesmo distante, provocou inúmeras reações de agrado e de ódio devido a seu poema “Os Sapos“, que fazia uma sátira do Parnasianismo, lido durante o evento. Entretanto, acredita-se que a Semana de Arte Moderna não tenha tido originalmente o alcance e amplitude que posteriormente foram atribuídos ao evento. A exposição de arte, por exemplo, parece não ter sido coberta pela imprensa da época. Somente teve nota publicada por participantes da Semana que trabalhavam em jornais como Mário de Andrade, Menotti del Picchia e Graça Aranha (justamente os três conferencistas, cujas idéias causaram grande alarde na imprensa). Yan de Almeida Prado, em 72, chegou mesmo a declarar que“ a Semana de Arte Moderna pouca ou nenhuma ação desenvolveu no mundo das artes e da literatura“, atribuindo a fama dos sete dias aos esforços de Mário e Oswald de Andrade.

Entretanto, parece ter cabido a Di Cavalcanti a sugestão de “uma semana de escândalos literários e artísticos, de meter os estribos na barriga da burguesiazinha paulistana.“ Artistas e intelectuais de São Paulo e do Rio de Janeiro, tendo Graça Aranha à frente, organizavam a Semana, prevista para se realizar em fevereiro de 1922. Uma exposição de artes plásticas - organizada por Di Cavalcanti e Rubens Borba de Morais, com a colaboração de Ronald de Carvalho, no Rio - acompanharia as demais atividades previstas. Graça Aranha, sob aplausos e vaias abriu o evento, com sua conferência inaugural “A Emoção Estética na Arte Moderna“. Anunciava “coleções de disparates“ como “aquele Gênio supliciado, aquele homem amarelo, aquele carnaval alucinante, aquela paisagem invertida“ (temas da exposição plástica da semana), além de “uma poesia liberta, uma música extravagante, mas transcendente” que iriam “revoltar aqueles que reagem movidos pelas forças do Passado.“

A exposição de Anita Malfatti

Tratava-se de uma próspera cidade, que recebia grande número de imigrantes europeus e modernizava-se rapidamente, com a implantação de indústrias e reurbanização. Era, enfim, uma cidade favorável a ser transformada num centro cultural da época, abrigando vários jovens artistas. Bem antes da Semana de Arte Moderna de 22 já se reuniam as forças que tornariam possível o evento.

Pretendiam, entretanto, utilizar-se de forma consciente desses modelos europeus para uma renovação da arte nacional, preocupados em realizar uma arte nitidamente brasileira, sem complexos de inferioridade em relação à arte produzida na Europa. De acordo com o catálogo da mostra, participavam da Semana os seguintes artistas: Anita Malfatti, Di Cavalcanti, Zina Aita, Vicente do Rego Monteiro, Ferrignac (Inácio da Costa Ferreira), Yan de Almeida Prado, John Graz, Alberto Martins Ribeiro e Oswaldo Goeldi - com pinturas e desenhos; Victor Brecheret, Hildegardo Leão Velloso e Wilhelm Haarberg (alemão no Brasil desde) - com esculturas; Antonio Garcia Moya e Georg Przyrembel (polonês em São Paulo desde 1913) - com projetos arquitetônicos. Além disso, havia escritores como Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Menotti del Picchia, Sérgio Milliet, Plínio Salgado, Ronald de Carvalho, Álvaro Moreira, Renato de Almeida, Ribeiro Couto e Guilherme de Almeida e músicos como Villa-Lobos, Guiomar Novais, Ernâni Braga e Frutuoso Viana. São Paulo dos anos 20 era a cidade que melhor apresentava condições para a realização de tal evento.

Cem anos após a independência do país, os jovens modernistas pretendiam redescobrir o Brasil, libertando-o das amarras que o prendiam aos padrões estrangeiros. Negavam, antes de mais nada, o “academicismo“ nas artes, influenciados esteticamente por tendências e movimentos como O Cubismo, o Expressionismo e diversas ramificações pós- impressionistas como Divisionismo (ver Neo-Impressionismo). 

Por: Daniela mendes, Bruno sousa,Thatiane, Lindaiane,Raissa,Momay,Livia,Jessica,Estela e Lorrany Assis.

A Semana da Arte Moderna

                                                             Introdução


A Semana de Arte Moderna ocorreu no Teatro Municipal de São Paulo, em 1922, tendo como objetivo mostrar as novas tendências artísticas que já vigoravam na Europa. Esta nova forma de expressão não foi compreendida pela elite paulista, que era influenciada pelas formas estéticas européias mais conservadoras. O idealizador deste evento artístico e cultural foi o pintor Di Cavalcanti

                                                 Participações e como foi

Em um período repleto de agitações, os intelectuais brasileiros se viram em um momento em que precisavam abandonar os valores estéticos antigos, ainda muito apreciados em nosso país, para dar lugar a um novo estilo completamente contrário, e do qual, não se sabia ao certo o rumo a ser seguido.

No Brasil, o descontentamento com o estilo anterior foi bem mais explorado no campo da literatura, com maior ênfase na poesia. Entre os escritores modernistas destacam-se: Oswald de Andrade, Guilherme de Almeida e Manuel Bandeira. Na pintura, destacou-se Anita Malfatti,que realizou a primeira exposição modernista brasileira em 1917. Suas obras, influenciadas pelo cubismo, expressionismo e futurismo, escandalizaram a sociedade da época. Monteiro Lobato não poupou críticas à pintora, contudo, este episódio serviu como incentivo para a realização da Semana de Arte Moderna.

A Semana, na verdade, foi a explosão de idéias inovadoras que aboliam por completo a perfeição estética tão apreciada no século XIX. Os artistas brasileiros buscavam uma identidade própria e a liberdade de expressão; com este propósito, experimentavam diferentes caminhos sem definir nenhum padrão. Isto culminou com a incompreensão e com a completa insatisfação de todos que foram assistir a este novo movimento. Logo na abertura, Manuel Bandeira, ao recitar seu poema Os sapos, foi desaprovado pela platéia através de muitas vaias e gritos.

Embora tenha sido alvo de muitas críticas, a Semana de Arte Moderna só foi adquirir sua real importância ao inserir suas idéias ao longo do tempo. O movimento modernista continuou a expandir-se por divulgações através da Revista Antropofágica e da Revista Klaxon, e também pelos seguintes movimentos: Movimento Pau-Brasil, Grupo da Anta, Verde-Amarelismo e pelo Movimento Antropofágico.

Todo novo movimento artístico é uma ruptura com os padrões utilizados pelo anterior, isto vale para todas as formas de expressões, sejam elas através da pintura, literatura, escultura, poesia, etc. Ocorre que nem sempre o novo é bem aceito, isto foi bastante evidente no caso do Modernismo, que, a principio, chocou por fugir completamente da estética européia tradicional que influenciava os artistas brasileiros.
Nós escolhemos: Tarsila do Amaral

                                                    Tarsilia do Amaral

                                 
historio: Tarsila participou ativamente da renovação da arte brasileira que se processou na década de 1920. Integrou-se ao movimento modernista e ligou-se com especial interesse à questão da brasilidade. Formou, com Anita Malfatti, Menotti del Picchia, Mário de Andrade e Oswald de Andrade, com quem se casou em 1924, o chamado Grupo dos Cinco.

Tarsila do Amaral nasceu em Capivari SP em 1886. Estudou com Pedro Alexandrino, a partir de 1917, e depois com George Fischer Elphons, em São Paulo. Em Paris freqüentou a Académie Julien, sob a orientação de Émile Renard. Entrou em contato com Fernand Léger, cujo estilo a marcou sobremodo, André Lhote e Albert Gleisse, e estruturou sua personalidade artística a partir das influências cubistas. Em 1922 participou em Paris do Salão dos Artistas Franceses.

Retornando ao Brasil em 1924, percorreu as cidades históricas mineiras em companhia do escritor francês Blaise Cendrars. Deslumbrada com a decoração popular das casas dessas cidades, assimilou a tradição barroca brasileira às recém-adquiridas teorias e práticas cubistas e criou uma pintura que foi denominada Pau-Brasil. Essa pintura inspirou um movimento, variante brasileira do cubismo, e influenciou Portinari.

Em 1926 Tarsila expôs na galeria Percier em Paris. Iniciou-se então sua fase antropofágica, de retorno ao primitivo, da qual o exemplo mais notável é o quadro "Abaporu". Presente na I e II Bienais de São Paulo, foi premiada na primeira. Na Bienal de São Paulo de 1963, sala especial foi dedicada à retrospectiva de sua obra. Foram apresentadas suas diversas fases e deu-se destaque ao quadro "Operários" (1933), da fase social, em que as cores são mais sombrias mas a nitidez anterior é conservada. Outra obra do mesmo período é "Segunda classe".

                                        

                                  Abaporu                                                                     Operários

                                                    

                                                        

                                                                           Segunda classe

Tarsila esteve ainda representada na mostra Arte Moderna no Brasil (1957), na XXXII Bienal de Veneza (1964) e na mostra Arte da América Latina desde a Independência (1966). Em 1960 o Museu de Arte Moderna de São Paulo organizou retrospectiva de sua obra. Entre suas demais telas destacam-se "A negra", no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, e "São Paulo", na Pinacoteca do Estado de São Paulo. Tarsila morreu em São Paulo SP em 17 de janeiro de 1973.

                                                  

                                                                   A negra

Por: Raquel Khatlen, Monalisa Luisa,Vernon, Thaís Alves, Victor Hugo 3° "C"

Musicas: Semana da Arte Moderna 1922

Música

 A Semana, de uma certa maneira, nada mais foi do que uma ebulição de novas ideias totalmente libertadas, nacionalista em busca de uma identidade própria e de uma maneira mais livre de expressão. Não se tinha, porém, um programa definido: sentia-se muito mais um desejo de experimentar diferentes caminhos do que de definir um único ideal moderno.

• 13 de fevereiro (Segunda-feira) - Foi a abertura oficial do evento. O dia foi dedicado as esculturas e pinturas. Tudo transcorreu em certa calma neste dia.
• 15 de fevereiro (Quarta-feira)- Dia dedicado aos poemas e á arte estética. A noite acaba em algazarra.
• 17 de fevereiro (Sexta-feira)-  O dia mais tranquilo da semana, apresentações musicais de Villa-Lobos, com participação de vários músicos. O público em número reduzido, portava-se com mais respeito, até que Villa-Lobos entra de casaca, mas com um pé calçado com um sapato, e outro com chinelo; o público interpreta a atitude como futurista e desrespeitosa e vaia o artista impiedosamente. Mais tarde, o maestro explicaria que não se tratava de modismo e, sim, de um calo inflamado. 

 Na música, estiveram presentes nomes consagrados, como Villa-Lobos, Guiomar Novais, Ernâni Braga e    Frutuoso Viana.

              Villa-Lobos

                        Heitor Villa-Lobos nasceu no Rio de Janeiro, em 1887.

Considerado uma das figuras mais importantes da história da música no Brasil, aprendeu a tocar violoncelo aos seis anos de idade com o pai, músico amador. Foi também nessa época que conheceu a obra de Bach, que tanto o influenciaria no futuro. 

Em 1905, começou a percorrer o Brasil, familiarizando-se com a temática da música popular - cantigas de viola, reisados, frevos. Durante anos recolheu e anotou mais de 1.000 temas folclóricos. Dez anos depois, fez sua estréia como compositor, apresentando-se numa série de concertos no Rio de Janeiro. Nessa época, enquanto compunha suas obras, sobrevivia tocando violoncelo nas orquestras dos teatros e cinemas cariocas. A modernidade de sua música provocou reações adversas nos jornais.

Em 1922, participou da Semana de Arte Moderna de São Paulo, apresentando no Teatro Municipal obras de sua autoria em primeira audição. A partir de 1922, seu trabalho revelou crescente afinamento com a temática nacionalista e modernista que presidiu a Semana. Já bastante conhecido no meio musical brasileiro, Villa-Lobos transferiu-se em 1923 para Paris, onde permaneceu um ano. 

Villa-Lobos faleceu no Rio de Janeiro, em 1959, deixando cerca de 1.500 peças, nos mais diversos gêneros e para as mais diversas formações instrumentais e vocais. No ano seguinte, foi fundado, em sua homenagem, o Museu Villa-Lobos, no Rio de Janeiro. 

Bibliografia: 

http://pt.wikipedia.org/wiki/Semana_de_Arte_Moderna

http://www.febf.uerj.br/pesquisa/semana_22.html

Alunos responsaveis pela postagem do assunto: Aline Dutra, Airton Gomes, Brenda Coutinho, Gregório Gabriel , Jessé Rodrigues , Jéssica G. , Monalisa, Raquel, Thais Alves e Luisa       

Artistas da semana da Arte moderna!

Artista semana da arte moderna

► Semana da Arte Moderna 1922
A Semana de Arte Moderna de 22, realizada entre 11 e 18 de Fevereiro de 1922 no Teatro Municipal de São Paulo, contou com a participação de escritores, artistas plásticos, arquitetos e músicos, visava renovar o ambiente artístico e cultural da cidade via “a perfeita demonstração do que há em nosso meio em escultura, arquitetura, música e literatura sob o ponto de vista rigorosamente atual“, como informava o Correio Paulistano a 29 de Janeiro de 1922. A produção de uma arte brasileira, afinada com as tendências vanguardistas da Europa, sem contudo perder o caráter nacional, era uma das grandes aspirações que a Semana tinha em divulgar.

Cem anos após a independência do país, os jovens modernistas pretendiam redescobrir o Brasil, libertando-o das amarras que o prendiam aos padrões estrangeiros. Negavam, antes de mais nada, o “academicismo“ nas artes, influenciados esteticamente por tendências e movimentos como O Cubismo, o Expressionismo e diversas ramificações pós- impressionistas como Divisionismo (ver Neo-Impressionismo).

Pretendiam, entretanto, utilizar-se de forma consciente desses modelos europeus para uma renovação da arte nacional, preocupados em realizar uma arte nitidamente brasileira, sem complexos de inferioridade em relação à arte produzida na Europa. De acordo com o catálogo da mostra, participavam da Semana os seguintes artistas: Anita Malfatti, Di Cavalcanti, Zina Aita, Vicente do Rego Monteiro, Ferrignac (Inácio da Costa Ferreira), Yan de Almeida Prado, John Graz, Alberto Martins Ribeiro e Oswaldo Goeldi - com pinturas e desenhos; Victor Brecheret, Hildegardo Leão Velloso e Wilhelm Haarberg (alemão no Brasil desde) - com esculturas; Antonio Garcia Moya e Georg Przyrembel (polonês em São Paulo desde 1913) - com projetos arquitetônicos. Além disso, havia escritores como Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Menotti del Picchia, Sérgio Milliet, Plínio Salgado, Ronald de Carvalho, Álvaro Moreira, Renato de Almeida, Ribeiro Couto e Guilherme de Almeida e músicos como Villa-Lobos, Guiomar Novais, Ernâni Braga e Frutuoso Viana. São Paulo dos anos 20 era a cidade que melhor apresentava condições para a realização de tal evento.

Tratava-se de uma próspera cidade, que recebia grande número de imigrantes europeus e modernizava-se rapidamente, com a implantação de indústrias e reurbanização. Era, enfim, uma cidade favorável a ser transformada num centro cultural da época, abrigando vários jovens artistas. Bem antes da Semana de Arte Moderna de 22 já se reuniam as forças que tornariam possível o evento.

A exposição de Anita Malfatti em 1917, recém chegada dos Estados Unidos e da Europa, foram um marco para o Modernismo Brasileiro. As obras da pintora então afinadas com as tendências vanguardistas absorvidas nesses dois locais chocou grande parte do público e causou violentas reações da crítica conservadora. Ao redor dela reuniram-se jovens despertos para uma necessidade de renovação da arte brasileira. Além disso, traços dos ideais que a Semana propunha já podiam ser notados em trabalhos de artistas isoladamente que dela participaram (além de outros que foram excluídos do evento). Desde a exposição de Malfatti, havia dado tempo para que os artistas de pensamentos semelhantes se agrupassem. Em 1920, por exemplo, Oswald de Andrade já falava de amplas manifestações de ruptura, com debates abertos.

Entretanto, parece ter cabido a Di Cavalcanti a sugestão de “uma semana de escândalos literários e artísticos, de meter os estribos na barriga da burguesiazinha paulistana.“ Artistas e intelectuais de São Paulo e do Rio de Janeiro, tendo Graça Aranha à frente, organizavam a Semana, prevista para se realizar em fevereiro de 1922. Uma exposição de artes plásticas - organizada por Di Cavalcanti e Rubens Borba de Morais, com a colaboração de Ronald de Carvalho, no Rio - acompanharia as demais atividades previstas. Graça Aranha, sob aplausos e vaias abriu o evento, com sua conferência inaugural “A Emoção Estética na Arte Moderna“. Anunciava “coleções de disparates“ como “aquele Gênio supliciado, aquele homem amarelo, aquele carnaval alucinante, aquela paisagem invertida“ (temas da exposição plástica da semana), além de “uma poesia liberta, uma música extravagante, mas transcendente” que iriam “revoltar aqueles que reagem movidos pelas forças do Passado.“

Mário de Andrade, com suas conferências, leituras de poemas e publicações em jornais foi uma das personalidades mais ativas da Semana. Oswald de Andrade talvez fosse um dos artistas que melhor representavam o clima de ruptura que o evento procurava criar. Manuel Bandeira, mesmo distante, provocou inúmeras reações de agrado e de ódio devido a seu poema “Os Sapos“, que fazia uma sátira do Parnasianismo, lido durante o evento. Entretanto, acredita-se que a Semana de Arte Moderna não tenha tido originalmente o alcance e amplitude que posteriormente foram atribuídos ao evento. A exposição de arte, por exemplo, parece não ter sido coberta pela imprensa da época. Somente teve nota publicada por participantes da Semana que trabalhavam em jornais como Mário de Andrade, Menotti del Picchia e Graça Aranha (justamente os três conferencistas, cujas idéias causaram grande alarde na imprensa). Yan de Almeida Prado, em 72, chegou mesmo a declarar que“ a Semana de Arte Moderna pouca ou nenhuma ação desenvolveu no mundo das artes e da literatura“, atribuindo a fama dos sete dias aos esforços de Mário e Oswald de Andrade.
Vik Muniz artista plástico

Os artista que participaram da semana da arte moderna

VÍDEO, BAUHAUS.

Ei amiguinhos *-* Haha, 2º bimestre tá completinho! Estava eu, com toda a minha inteligência olhando alguns videos e procurando algo sobre Bauhaus. Acabei encontrando um vídeo, feito por um grupo de alunos de faculdade sobre Bauhaus. Quem não gostou de ler as coisas do blog, mas pela imagem ficou curioso com a historia (que é BEEEM interessante) dê uma olhada no vídeo, eu assisti. Ele dura o tempo de 4:47, e é facil de entender. Espero que ajude!

Video no link abaixo:

A história da Bauhaus 

                                                                                                                              Postado por: Josilaine Pereira.

                    Uma das letras predominantes nos impressos da Bauhaus foi a Akzidenz Grotesk.

Staatliches Bauhaus Weimar 1919-1923 — Lazlo Moholy-Nagy.

Moholy-Nagy, que antes de integrar o corpo docente da Bauhaus, já se havia familiarizado com o construtivista El Lissitzy e seu trabalho, criou uma inconfundível imagem visual para a escola usando formatos de letras simples, cores fortes, composições intrigantes de fotografia e texto.

Letras avulsas, vogais e consoantes, eram isoladas e tratadas como elementos de composição. Uma abordagem tipográfica séria mas que continha um elemento quase teatral.

Moholy-Nagy que atribuía uma grande importância à fotografia no design gráfico, desenvolveu pesquisas paralelamente a Richter e Man Ray e dedicou-se ao estudo da luz e do movimento podendo ser considerado um dos precursores da pesquisa visual-cinética e da op-art que se difundiu na Europa e nos EUA nos anos 60.

Moholy-Nagy encorajava as tentativas de seus estudantes de “romper as convenções em relação ao conteúdo e à forma tradicional da tipografia e com isso, simbolicamente, o conteúdo e a forma da sociedade que aplicava mecanicamente as normas do passado”.

Ele considerava tipografia e layout uma arte e uma ciência ao mesmo tempo que se desenvolvia a partir de técnicas de impressão.

“A natureza e o objetivo da comunicação (folheto ou pôster) determinam a maneira e o uso do material tipográfico”

«Em contraste com o equilíbrio estático concêntrico de séculos, hoje busca-se produzir um equilíbrio dinâmico-excêntrico».

Ordem, simplificação e claridade eram os ideais gráficos.

As composições eram formadas por tipos dispostos verticalmente, diagonalmente e horizontalmente e por formas geométricas simples, como quadrados, círculos, triângulos que criavam ritmos e continuidades conduzindo o olhar de um bloco de texto ao outro.

Outra característica era o uso de barras pretas para dar ênfase e a manipulação do branco com o mesmo objetivo.

Bibliografia:

http://tipografos.net/bauhaus/tipografia-design-comunicacao.html

http://www.rightreading.com/typehead/akzidenz_grotesque.htm

Alunos responsáveis pela postagem: Lorrany, Estela, Bruno, Lindaiana, Monay, Jéssica, Daniela, Raíssa, Tatiane, Lívia

Introdução à história do design

Bauhaus procurou inserir uma forma bem limpa e pura em todas as coisas que construia, utilizando-se de formas geométricas, com cores básicas, geralmente o preto e o branco, para contrastar com a burguesia da época que utilizava cores fortes. O seu estilo de design passou a ser aplicado em prédios casas, móveis, objetos e tudo mais que fosse possível inserir formas. 

A configuração prático-funcional dos produtos industriais da Bauhaus baseava-se na teoria estética da redução das formas aos elementos básicos. Esta tendência é favorecida pela forte cooperação com a indústria 

As funções estéticas unem-se às funções práticas.

Apesar da concepção dos objectos tender à utilização da técnica industrial como forma de alcançar a função prática, a componente estética mantem-se como esteio e paradigma para a produção.

      A famosa cadeira desenhada por Marcel Breuer, 1925/26.

Marcel Breuer, Cadeira modelo No. B32, 1928/31. Material: estrutura de aço tubular cromado, assento e costas em palhinha.

O estilo passou a influenciar também diversos arquitetos do período, não apenas dentro da Alemanha ou aqueles que aprenderam na escola Bauhaus, como também em diversos outros países, e seu estilo "simples" e limpo de dar forma às coisas rapidamente se espalhou. Dentre os principais professores da escola na época, destacam-se além de Goupius, Kandinsky e Paul Klee,

Com o crescimento do Partido Nacional Socialista, ou Nazista, como se tornou conhecido, um novo conceito de arte passou a ser incorporado pelos alemães, baseado nos ideais de beleza e arquitetura grega. Isso afetou diretamente a escola Bauhaus, onde muitos de seus professores e até mesmo criadores(inclusive Walter Groupius) migraram para outros países para continuarem seus trabalhos.

Atualmente a Bauhaus é considerada como parte importantíssima do movimento que gerou o design moderno, um marco na história das artes, revolucionando o design e a arquitetura, e vem sendo ensinado em diversas escolas no mundo inteiro. 

Bibliografia:

http://tipografos.net/bauhaus/bauhaus-moveis.html

http://orangesapples.blogspot.com/2009/09/bauhau-exhibition.html

Alunos Responsáveis pela postagem : Airton Gomes, Aline Dutra, Brenda Coutinho, Jéssica G, Tiago da Silva, Jessé Rodrigues, Gregorio Gabriel, Raquel, Tais Alves, Monalisa L., Victor Hugo, Vernon, Luiza.

Bauhaus , revolução da arquitetura.

Desenho racional, paleta de cores que prioriza o azul, o vermelho e o amarelo, o geométrico e o assimétrico substituindo o ornamento. Como o arquiteto Aurelio Martinez dizia : "A Bauhaus chegou com outro conceito: O mais importante é a habilidade técnica. Assim, as criações nada teriam além do absolutamente funcional, decretando o fim dos enfeites desnecessários."
No morar, a Bauhaus propunha a superação de estilos como o Barroco. Uma das formas era brincar com os volumes da fachada, o que evoca os quadros de Mondrian. Em 1927, um grupo de 17 arquitetos,- dentro deles Le Cobursier e Gropius - montou uma exposição de arquitetura em Stuttgart. Nela quase 500 mil pessoas se surpreenderam com a série de habitaçoes coletivas, de fachada sóbria e aberturas repetitivas, ousadia que enchia as construções de luz e ventilação.

Com plantas baixas flexíveis, os arquitetos da Bauhaus tentaram criar aí uma atmosfera saudável, plena de luz e ventilação. Em comum, estavam a superação do ecletismo arquitetônico, a junção da arquitetura com a vida e o emprego de novas técnicas e novos materiais. Sua arquitetura era cúbica e sem ornamentos. Um mínimo de forma deveria garantir o máximo de liberdade.
Weissenhof caiu em desgraça após 1933. Criticado pelos nazistas como uma “vergonha”, “subúrbio de Jerusalém” ou “cidade de árabes”, a Segunda Guerra lhe poupou a demolição. O conjunto habitacional foi restaurado nos anos de 1980 e recebe, anualmente, milhares de turistas. O mesmo aconteceu com o prédio de Gropius em Dessau: restaurado entre 1996 e 2006, o edifício da Bauhaus é, hoje, Patrimônio Cultural da Humanidade.
Ironicamente, pouco da Bauhaus foi produzido pela industria da época - boa parte do mobiliario só se popularizou nos anos 50, quando empresas como norte americana Knoll editaram peças dos designers que são simbolo da escola até hoje, destaca Annearie J. Diretora do Bauhaus Archiv, em Berlim.

                             No mobiliário, a Bauhaus se materializa nas linhas puras da cadeira Wassily, 

               criada por Marcel Breruer em 1925:leveza do desenho a serviço do conforto.

A Bauhaus influenciou o jeito de fazer aquitetura ao redor do mundo. ''No Brasil, o maior divulgador desse ideário foi Le Corbusier, que influenciou profundamente a escola carioca, capitaneada por Oscar Niemeyer", destaca o arquiteto Fernando Vasquez.

Bibliografia:

http://www.bonde.com.br/bonde.php?id_bonde=1-32--13-20090507&tit=bauhaus+a+escola+que+revolucionou+a+arquitetura

http://www.arqbrasil.com.br/_arqdoc/textos/014%20bauhaus_arqalemanha.htm

Alunos responsáveis pela postagem : Brenda Alves, Josilaine Pereira, Laiane Jéssica, Josiane Araujo, Jaqueline Cardoso, Fernanda Ferreira, Rafael Rodrigues, Tais Oliveira e Deize Kelly.